Adrian Arleo

Adrian Arleo es una escultora de cerámica que vive fuera de Missoula, Montana. Estudió Arte y Antropología en el Colegio Pitzer (BA 1983) y recibió su MFA en cerámica de Rhode Island School of Design en 1986. Arleo fue Artista en Residencia en Oregon College of Art and Craft en 1986-87 y en Sitka Center For Arte y Ecología en 1987-88.

El trabajo de Arleo es exhibido nacional e internacionalmente, y está en muchas colecciones públicas y privadas, incluyendo la fundación de la exposición de la cerámica del mundo, Icheon, Corea; El Museo de Artes y Ciencias, Macon, Georgia; Museo de Arte de Yellowstone, Billings, MT; Greenwich House Pottery, NY, NY; y Microsoft, Seattle, WA. Arleo recibió los premios de la Fundación Virginia A. Groot en 1991 y 1992, y en 1995, fue galardonada con una beca individual de Montana Arts Council. Algunas publicaciones recientes incluyen: Montana Quarterly, artículo de Charles Finn, vol. 8, # 4, 2012; Cerámica: Arte y Percepción | Técnico, revisión por Matthew Kangas, edición # 88, 2012; Ceramics Monthly Magazine, obra escultora, enero de 2010; y el libro La figura en arcilla: Técnicas de escultura contemporánea de artistas maestros, publicado por Lark Books, 2005.

Durante más de treinta años, mi escultura ha combinado imágenes humanas, animales y naturales para crear una especie de poder emocional y poético. A menudo hay una sugerencia de una interconexión vital entre los reinos humanos y no humanos; la imagen surge de asociaciones, preocupaciones y obsesiones que son a la vez íntimas y universales. El trabajo frecuentemente hace referencia a la mitología y los arquetipos para abordar nuestra vulnerabilidad en medio de las cambiantes realidades personales, ambientales y políticas. Al centrarse en maneras más antiguas y misteriosas de ver el mundo, los bordes de la conciencia y los niveles más profundos de conciencia se sugieren. - Adrian Arleo

La escultora cerámica Adrian Arleo siempre supo que ella sería una artista. De hecho, su carrera de hacer y vender arte comenzó a la edad de siete u ocho años con un puesto en la carretera que puso en el verano para vender collares de cuentas y otros artículos que ella creó.

Cuando creció descubrió cómo trabajar el contenido emocional en su trabajo, que se ha convertido en su fuerza motivadora. En el post de hoy, Adrian comparte encantadora la historia de cómo ella hizo una vida en arcilla. - Jennifer Harnetty, editora.

Cuando era niña siempre disfrutaba haciendo cosas. Ha sido parte de mi trayectoria desde el principio; Me encantaba dibujar, pintar, coser, y crear doodads con lo que estaba alrededor. Mi familia tiene una historia de mujeres artistas, aunque sólo ha sido mi generación que ha trabajado profesionalmente en ello. Mi madre siempre ha pintado y trabajado con diferentes medios. Al ver mi gran interés en el arte, ella me firmó para varias clases de arte fuera de la escuela a partir de cuando yo era muy joven. En mis años de adolescencia, continué con clases extracurriculares en joyería, esmaltado, fotografía, dibujo de vida y diseño bidimensional.

Cuando tenía unos trece años, mi hermano mayor tomó una clase de alfarería y trajo algo de arcilla a casa. La atracción inicial hacia el material puede haber provenido de mi amor por los pequeños animales de cristal y porcelana que coleccioné. Me sentaba en mi cama con un trozo de arcilla y hacía pequeñas estatuillas y animales con tanto detalle como mis dedos podían manejar. Le ofrecí las piezas más elegidas a mis padres, y luego decidí vender el resto en una tienda de regalos boutique local. Vender mi "trabajo" no era un concepto nuevo para mí; a partir de la edad de siete u ocho años, establecí un puesto de carretera en los veranos y vendí un surtido de artículos astuto que van desde cuentas y collares de conchas a rocas pintadas. Era un buen negocio; Hice $ 13 en un día y fue sorprendido por esa cantidad de dinero. Había un chico al otro lado de la calle que ocasionalmente vendía limonada. Un día, nuestra estrategia de marketing era tirar de un tronco largo y delgado a través de la carretera como una protuberancia de velocidad para reducir los compradores potenciales. En retrospectiva, no era un enfoque terriblemente pensativo.

Lo que siempre he amado más es hacer cosas; Fui muy afortunada al descubrir que la gente pasó a querer las cosas que hice. Este tipo de aliento, tanto de mi familia como del público, ayudó a crear un sentido de mí misma como una artista a una edad temprana, y nunca he pensado en hacer nada más. Cuando conseguí un poco más viejo, descubrí cuánto más cosas atractivas se convirtió cuando tenían cierta clase de contenido emocional. Esto se convirtió en mi fuerza motivadora: crear objetos que me hicieran sentir algo misterioso, y tenía una historia que contar. Trabajar en arcilla se sentía como el medio adecuado para este tipo de exploración.

Cuando entré en el Colegio Pitzer (BA 1983), estaba claro que me especializaría en arte con un enfoque en la cerámica. Pronto añadí la antropología como segundo mayor. El estudio del arte de una variedad de culturas me mostró cómo su simbolismo y narraciones transmitieron la esencia básica de lo que es ser humano y reiterar temas centrales universales. Cuando fui a la escuela de posgrado en la Escuela de Rhode Island de Diseño (MFA 1986), continué con la escultura de cerámica y pronto me sentí atraída a trabajar específicamente con la forma humana. Empecé a crear una fusión de la figura con la textura y las imágenes del mundo natural. Yo estaba apuntando a algo como una toma más femenina de los esclavos inacabados de Miguel Ángel, mezclado con los colores y texturas de un entorno de arrecifes de coral. Descubrí que al hacer el cuerpo con referencias al agua, la piedra, la flora y la fauna, podía aludir a algo más allá de lo físico-algo más emocional / espiritual / psicológico / efímero. En ese momento, no sabía que éstos eran temas con los que trabajaría durante los próximos 23 años (y contando).

Después de centrarse en este tipo de trabajo durante más de dos décadas, ¿cómo puedo mantener los flujos creativos fluyendo y el interés sigue vivo? Un viaje al Museo Metropolitano de Arte en la ciudad de Nueva York siempre es un gran tiro en el brazo. Pero aquí en casa, mis ideas vienen principalmente a través de la observación y la curiosidad, tomando nota de lo que está a mi alrededor: nidos de avispas, pistas de pájaro en la nieve, los ojos en la corteza del árbol de álamo temblón, las ramas de los árboles, son análogos a nuestras propias experiencias con los ciclos vitales de nacimiento y crecimiento, la reproducción y los impulsos de nutrición, los mecanismos de defensa, el envejecimiento, la muerte, la decadencia. He pasado por mis propios ciclos de embarazo y nacimiento, la crianza de los niños, viéndolos empezar a dejar el nido, y mi envejecimiento, las imágenes que he usado en el pasado toma un nuevo significado en el presente. Por ejemplo, hace unos ocho años hice un retrato de mi hija adolescente en una textura de peine de miel. La elección del peine de miel como una superficie para ella en ese momento era una metáfora para su mayoría de edad, las referencias a la floración y la fertilidad. Desde entonces, he seguido con la serie de nido de abeja. Con el inicio del colapso de las colmenas en las abejas melíferas, este trabajo sugiere nuevos significados más incómodos. Con el cambio del estado del mundo, siento una urgencia cada vez mayor de recordar y expresar cómo estamos todos conectados, todos dependientes del mismo aire, agua, tierra.

Mi familia y yo hemos vivido en Montana desde hace dieciséis años. Estar en una parte relativamente remota del país ha sido inspirador para mi trabajo en el que a menudo he confiado en la naturaleza para la inspiración, pero también me ha obligado a enviar todo mi trabajo a las grandes ciudades con mercados activos de arte. Como uno de los estados más pobres del país, y un estado en el que la escultura tiende a significar la fauna de bronce y los caballos broncos, sería difícil depender del mercado de arte de Montana para apoyar a un artista como yo. Tener un sitio web puede parecer una herramienta útil para comercializar mi escultura, pero nunca he sido un fan de tratar de promover mi propio trabajo. Debido a esto, he confiado en las galerías para representarme durante casi veinticinco años, y mantienen sus Web site actualizados con mi trabajo actual y disponible. Si alguien fuera a Google mi nombre, un montón de sitios subir. En su mayor parte, trabajar con galerías ha sido un buen arreglo y generalmente trabajo con dos o tres en los principales centros de población, produciendo una exposición individual una vez al año. Mis galerías también llevan mi trabajo a la feria SOFA (Objetos Escultóricos y Arte Funcional) en Chicago, Nueva York, y pronto en Santa Fe. Esto ha ampliado mi base de colectores y dado el trabajo de mucha visibilidad.

Creo que es importante señalar que lo que ha impulsado la venta de mi trabajo no ha sido mi propio estudio de estrategias de marketing, la creación de un sitio web, la investigación de publicidad, y así sucesivamente. Se ha centrado constantemente, año tras año, en hacer el trabajo que me compromete en el nivel más profundo posible. Ese compromiso, a su vez, ha atraído el interés de la galería que ha llevado a las ventas. En mi experiencia, mi entusiasmo por la obra misma impulsa el entusiasmo de mis galerías y coleccionistas. Es también esa profundidad de compromiso y entusiasmo lo que me permite trabajar las largas horas en mi estudio. En una economía vacilante y una cultura llena de giros y bombo, es fácil confundirse y pasar por alto esta ecuación básica.